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jueves, 29 de noviembre de 2012

Taquilla España: 23-25 noviembre 2012

Sigue Amanecer 2 dominando la taquilla española, consiguiendo más de tres millones y medio en su segundo fin de semana, para un total que supera los quince. Lo imposible sigue acumulando euros, y sigue en segundo lugar con 0'82 millones.

En el tercer puesto encontramos el primer estreno de la semana. La española Fin debuta con 0'63 millones. Los otros dos estrenos que entran en el Top Ten lo hacen en séptimo y octavo lugar:  El hombre de los puños de hierro (0'32) y Golpe de efecto (0'29).

El cine de animación sigue aguantando bien con Hotel Transilvania (0'59) y Campanilla: El secreto de las hadas (0'43). Entre ambas se coloca Skyfall que este fin de semana recauda algo más de medio millón. 

Cierran el Top dos títulos de prestigio: Argo con 0'24 millones y En la casa con 0'19. 

La parte de los ángeles


The Angels' Share (Reino Unido-Francia-Bélgica-Italia, 2012).
Dirección: Ken Loach.
Intérpretes: Paul Brannigan, John Henshaw, Gary Maitland, Jasmin Riggins, William Ruane, Roger Allam.
Guión: Paul Laverty.
Música original: George Fenton.
Fotografía: Robbie Ryan
Montaje: Jonathan Morris.
Idioma: Inglés.
Duración: 101 minutos.



5/10

Loach se enternece

Parece que la edad está suavizando el cine de Loach, que recurre cada vez con más frecuencia al retrato amable, e incluso a la comedia, para seguir con su lucha social. Paul Laverty, guionista con el que colabora desde La canción de Carla (1996), es otro factor que se antoja fundamental en esta evolución. Es cierto que no han dejado de lado los dramas devastadores (El viento que agita la cebada, En un mundo libre...), pero películas como Sólo un beso (2004) o Buscando a Eric (2009) seguramente sean las más “blandas” de su carrera.


Aquí incluiríamos también La parte de los ángeles; a la que podemos etiquetar, sin temor a equivocarnos, como la típica comedia social británica. Es evidente que Loach nunca va a abandonar su lucha social, pero sí que empieza a darle la espalda a la desesperanza, para abrazar los finales felices. Recordemos cómo acababa Buscando a Eric, algo que aquí es todavía más evidente.

El personaje principal vuelve a ser el arquetipo lavertyloachniano: un pobre diablo que intenta salir de la espiral destructiva en la que anda inmerso, pero al que las circunstancias le empujan una y otra vez al desastre. En esta ocasión, el autor se decanta por un canto a la esperanza de la reinserción. El pesimismo agotador con el que solía cerrar sus obras desaparece, y Robbie tiene esa opción de recuperarse gracias al apoyo de su pareja y al hijo que acaba de tener. Eso sí, con buen criterio, Loach mantiene en segundo plano esta historia; a pesar de que últimamente las cuitas sentimentales han ocupado bastante espacio en los filmes del británico.


Es ese tutor de servicios a la comunidad es quien da el empujón definitivo para cambiar la vida del protagonista. Ahí está la importancia de no prejuzgar, de dar un voto de confianza, incluso al desconocido. A aquel que parece desahuciado. Por cierto, otra vez magnífico trabajo de un John Henshaw que ya nos regaló una memorable creación en Buscando a Eric. Y hay un elemento más que resulta decisivo para la recuperación del protagonista.

Paradojas de la vida, es el amor por el whisky la que acaba rescatando totalmente a Robbie. La importancia de tener una pasión como motor vital. Y es curioso que en esta ocasión sea una bebida alcohólica, factor que en este tipo de filmes suele ser una dificultad que ayuda a destrozar vidas (véase Mi nombre es Joe). Es de agradecer esta visión positiva de la bebida como placer que acerca a la élite a un excluido social.

Sin embargo, Loach patina en el tramo final de su obra. Una aventura bufonesca que remite a la extensa tradición del cine de atracos perpetrados por grupos de patanes. Los minutos más puramente cómicos no funcionan del todo, en un género que se le sigue resistiendo a Loach, que sin embargo acierta cuando suministra las pinceladas cómicas en pequeñas dosis en el resto del film.

Como suele ser habitual, las costuras del guión son visibles en más ocasiones de las deseables. Y los subrayados innecesarios se presentan en forma de pesada losa que aplasta la credibilidad de la obra. Vicios habituales que se hacen notar demasiado en La parte de los ángeles; película que, por otra parte, destila una innegable simpatía. Y que, como siempre, tiene un estupendo personaje principal, construido con mucho cariño y esmero.

Manuel Barrero Iglesias




domingo, 25 de noviembre de 2012

Tony Leblanc: 07-05-1922/24-11-2012

Foto: Publicada por Kane3
Debutó en 1944 con un pequeño papel en Eugenia de Montijo, a la que siguió su intervención en Los últimos de Filipinas (1945). Las décadas de los 50-60 fueron la época dorada de este cómico que intervino en numerosos éxitos de público: Historias de la radio (1955), Manolo guardia urbano (1956), El tigre de Chamberí (1957), Las chicas de la cruz roja (1958), El día de los enamorados (1959), 091 Policía al habla (1960), Historias de la televisión (1965), Los subdesarrollados (1968), o El astronauta (1970).

Durante esa época también alcanzó gran éxito en televisión con varios programas cómicos, o en el teatro con algunas revistas. Incluso dirigió tres películas a principios de los 60: El pobre García, Los pedigüeños y Una isla con tomate. Su retiro de la gran pantalla se produjo en 1975, año en el que rodó Canciones de nuestra vida y Tres suecas para tres Rodriguez. Durante varios años siguió con su carrera en el teatro, hasta que un accidente de tráfico lo retiró de la actuación en 1983.

Eso fue hasta que Santiago Segura lo rescató del olvido para Torrente, el brazo tonto de la ley (1998), por la que ganó el Goya al mejor actor de reparto. Ha aparecido en las cuatro películas de la saga, siendo sus únicas apariciones cinematográficas desde el 75. 

Murió a los 90 años de edad. Os dejamos con la entrevista realizada por Francisco Moreno para Kane3 en 2006: http://www.kane3.es/cine/tony-leblanc-siempre-he-admirado-las-cosas-que-yo-no-podia-hacer.php




Larry Hagman: 21-09-1931/23-11-2012

Siempre será recordado como el mítico J.R. de la serie Dallas, al que dio vida durante 14 temporadas. 

En cine hemos tenido la oportunidad de verlo en filmes como Superman (1978), Nixon (1995) o Primary Colors (1998). 

Su último trabajo ha sido precisamente interpretando al villano que le dio la fama en la nueva Dallas, de la que completó la primera temporada.

José Luis Borau: 08-08-1929/23-11-2012

Fotografía: Marisa W. Ringer (Kane3)
Figura clave del cine español, José Luis Borau fallece a los 83 años en Madrid. Es inevitable pensar en Furtivos (1975) cuando se habla de Borau, pero el director tiene otro buen puñado de títulos de interés: Hay que matar a B. (1975), Tata mía (1986), Niño nadie (1993), o Leo (2000). Con ésta, que sería a la postre su última película, consiguió el Goya a la mejor dirección. 

Pero su magnífica labor no se quedó en la realización. Productor arriesgado, crítico, e incluso editor literario, este aragonés hizo un magnífica labor como presidente de la Academia de las Artes y las Ciencia Cinematográficas, cargo que ocupó de 1994 a 1999.


Os dejamos con la entrevista publicada en Kane3 realizada por el compañero Sergio F. Pinilla: http://www.kane3.es/cine/jose-luis-borau-todos-los-directores-deberian-pasar-por-la-publicidad.php




sábado, 24 de noviembre de 2012

Emilio Aragón 'Miliki': 4-11-1929/18-11-2012

A los 83 años ha muerto este polifacético artista, conocido sobre todo por su labor como payaso, siendo ya parte de la historia de la televisión en España.

Dentro del cine, intervino en varias películas junto a sus hermanos: El nieto del Zorro (1948), Tres bárbaros en un jeep (1955) Había una vez un circo (1972), o Los padrinos (1973). Incluso se permitió el lujo de dirigir la película para televisión Yo quiero ser torero (1987), protagonizada por el Dúo Sacapuntas.

Su última aparición en la gran pantalla fue en Pájaros de papel (2010), el debut en la dirección de su hijo Emilio Aragón.

Estrenos España: 23 noviembre 2012

Destacamos esta semana el estreno de César debe morir, película con la que los hermanos Taviani ganaron la última edición del Festival de Berlín. Una ficción que se nutre del documental, de cómo trabaja el taller de teatro de la cárcel de Rebibbia en Roma. A la vez, que una adaptación del Julio César de Shakespeare.

Dos estrenos españoles de género. La muy publicitada Fin supone el debut en el largometraje del televisivo Jorge Torregrosa. Maribel Verdú encabeza un reparto que tiene que enfrentarse al apocalipsis. Por su parte, Sesión 1.16 es un film de terror que recurre a un elemento tan típico como la Ouija.

Vamos con los estrenos norteamericanos. El rapero RZA escribe, dirige y protagoniza El hombre de los puños de hierro; desmadre producido por Tarantino, ambientado en la China feudal. Violencia y sangre sin sentido. Curtis Hanson, el mismo que deslumbró con L.A. Confidential lleva años sobreviviendo en Hollywood como puede. En este caso dirige Persiguiendo Mavericks, película sobre un mítico surfero. Un habitual ayudante de dirección de Clint Eastwood (quien protagoniza el film) dirige Golpe de efecto, película sobre béisbol en la que el veterano actor interpreta a un ojeador con problemas en la vista. La comedia adolescente High School sigue la estela de producciones como Supersalidos o Project X.

También se estrena la reciente ganadora de la Espiga de Oro en Valladolid, la película belga Hasta la vista, comedia amable protagonizada por un trío de discapacitados que viajan a España con intención de perder la virginidad. Terminamos con Y recibí las peores noticias de tus labios, película brasileña con triángulo amoroso.

miércoles, 21 de noviembre de 2012

Taquilla España: 16-18 noviembre 2012

Poco más de un mes después del record conseguido por Lo imposible, llegan los vampiros de Crepúsculo para establecer un nuevo registro. Amanecer 2 consigue la mejor recaudación de la historia en España para el primer fin de semana de exhibición. 9'21 millones es la nueva cifra referencia.

Su antecesora en el puesto suma otro millón más a sus grandes cifras, que en breve superarán los 40 millones totales. Hotel Transilvania y Skyfall llevan vidas paralelas, aunque el film de animación se mantiene mejor (llevando una semana más en cartel). Las dos se acercan esta semana a los 0'9 millones. El quinto lugar es para la también animada Campanilla: El secreto de las hadas (0'63). La presencia del cine animado se completa con la incombustible Las aventuras de Tadeo Jones en noveno lugar (0'17).

La segunda parte del Top la encabeza otro estreno. En la mente del asesino debuta con 0'34 millones.  A partir de aquí, mucho cine adulto. Argo se sigue manteniendo bien y añade casi trescientos mil euros a su sólida carrera. En la casa añade un cuarto de millón, y cierra Ken Loach con La parte de los ángeles, que se estrena con 0'17.




sábado, 17 de noviembre de 2012

Estrenos España: 16 noviembre 2012

Esta semana destacamos el estreno de Contra el tiempo, documental dirigido por José Manuel Serrano Cueto, en el que se rinde homenaje a actores secundarios, especialmente de la época dorada de las producciones de género. Nombres anónimos, que se han ganado la vida como han podido en el complicado mundo de la interpretación: Carlos Bravo, Mabel Escaño, Lone Fleming o Antonio Mayans son algunos de los que aparecen en este film.

Otro estreno de interés es Holy Motors, película triunfadora en Sitges, y film que despierta reacciones encontradas. Gran admiración o total rechazo son habituales tras el visionado de este fascinante film del francés Leos Carax.

Un gustazo es el reestreno de El festín de Babette, película danesa de 1987 que enfrentaba a una puritana y rígida aldea con los placeres de la comida y la bebida francesa.

El británico Ken Loach parece ir suavizándose con los años, y ahora nos trae una comedia amable y ligera. No exenta, obviamente, de contenido social. Y con el whisky como elemento básico en la trama. Por cierto, que en el preestreno organizado en Madrid de La parte de los ángeles, los asistentes pudieron disfrutar de una cata después de la proyección.

De Estados Unidos, vienen los estrenos menos interesantes de la semana. El thriller En la mente del asesino, dirigida por el especialista en cine de acción Rob Cohen; y Amanecer 2, el fin (o eso esperamos) de la saga Crepúsculo.

Taquilla España: 9-11 noviembre 2012

La taquilla española mantiene las tres primeras posiciones con respecto a la semana anterior. Lo imposible sigue su marcha triunfal, consiguiendo en su quinto fin de semana más de dos millones para un total superior a 35. Skyfall (1'78) y Hotel Transilvania (1'44) completan el cuadro de honor.

El primer estreno lo encontramos en cuarto lugar. Campanilla: El secreto de las hadas consigue 0'81 millones. Argo y Sinister ocupan las siguientes posiciones ya con cifras inferiores al medio millón.

En octavo lugar encontramos En la casa (0'32). La película de Ozon tiene el mérito de conseguir la media más alta por sala. El otro estreno que entra en el Top Ten es Los amos del barrio (0'23), en noveno lugar. 

La muy veterana Las aventuras de Tadeo Jones suma 0'27 millones más, y cierra el Top Looper (0'17).

miércoles, 14 de noviembre de 2012

Entrevista: Rian Johnson


"Me gusta la ciencia-ficción porque casi exige combinarse con otro género".




Rian Johnson deslumbró en 2005 con Brick, revisión del cine negro ambientada en un instituto. Tras ese prometedor debut llegó la frialdad con la que se acogió The Brothers Bloom, comedia protagonizada por Rachel Weisz y Adrien Brody. Siempre guionista de sus películas Johnson vuelve al cine de género, esta vez mezclando el negro con la ciencia-ficción. El resultado es Looper, un film con el que recupera el buen pulso, y que vuelve a colocar a nuestro protagonista en la primera plana de la actualidad cinematográfica. Su nombre vuelve a ser considerado como uno de los más prometedores del panorama hollywoodiense.


Por Manuel Barrero Iglesias





Pero él se quita presión cuando le preguntamos si siente esa responsabilidad. Se ríe casi con vergüenza, y modestamente nos dice: “Estoy encantado de que la gente disfrute con la película, pero sugiero que el espectador entre con bajas expectativas, así la disfrutará más”.

El film utiliza la temática de los viajes en el tiempo como herramienta que usa el crimen organizado: “Lo usé porque era un buen punto de partida para la película. Si algún día se inventara esto de viajar en el tiempo, sería algo tan peligroso que solo las organizaciones criminales lo usarían. Pero creo que no se va a inventar nunca. Es una fantasía, igual que los unicornios”.

Las películas con viajes temporales siempre corren el riesgo de caer en incoherencias, ¿usó Johnson algún método para evitar esto?: “Lo que hice fue fijarme en películas que sí lo han hecho bien, como por ejemplo el primer Terminator. En esa película se plantea la situación del viaje en el tiempo, pero luego se retira, no se complica. También me gustan películas como Doce monos o Primer, donde el viaje en el tiempo está presente continuamente, y me deja alucinado cómo lo han podido hacer los guionistas. Pero yo prefiero la manera más simple”.

Hablando de Primer, su director Shane Carruth aparece en los agradecimientos: “Había prevista una secuencia con efectos especiales en la que el personaje de Bruce Willis perdía los recuerdos de su mujer a través de una especie de niebla de cristal. Pero al final tuvimos que eliminar la secuencia, y ahí se quedó la colaboración”.

Un Bruce Willis al que el director admira mucho: “Cuando cogí el coche para conocerle, me temblaban las manos. Luego, cuando lo conoces y trabajas con él; es un hombre tan dulce, generoso y tan buen actor, que todo es muy fácil”.

El otro protagonista del film es Joseph Gordon-Levitt, cuyo rostro fue transformado para que se pareciera lo más posible al de Willis (ambos interpretan al mismo personaje, con algunos años de diferencia): “Siempre pensé usar una prótesis para la cara de Joe, fuera quien fuera el que hiciera su otro yo”.

Johnson confiesa que este personaje tiene sus raíces en el cine negro: “Pienso en Casablanca, el personaje de Bogart al principio de la película es egoísta y no se arriesga por nadie, pero al final cambia. Aquí también se da esa evolución. Este tipo de antihéroe tiene su origen en el cine negro de Hollywood. Es algo que me encanta, y me gusta volver a esas raíces”.

Entonces, ¿la familia y el amor pueden cambiar conductas?: “Eso espero, es nuestra última esperanza. Nuestra mejor baza es criar bien a nuestros hijos. No siempre funciona, pero es mejor solución que intentar resolver los problemas del mundo a través de las armas”.

Muchas veces, la ciencia-ficción quiere mandar mensajes sobre el mundo que nos espera. ¿Este es el caso de Looper, o simplemente estamos ante un ejercicio de estilo?: “Ni una cosa, ni la otra. No haría una película solo para hacer un ejercicio de estilo, pero pienso que si hay algún mensaje de tipo político puede quedar anticuado enseguida. Para mí se trata de utilizar estos elementos para examinar más profundamente la condición humana: las emociones, las relaciones...eso es lo que me interesaba”.

Aparte de Terminator, también podemos encontrar similitudes con otro clásico como Blade Runner: “Es delicado, porque soy un fan de la ciencia-ficción, de esas dos películas. No quería pensar demasiado conscientemente en ellas, porque no quería que Looper fuera un listado de referencias de otras películas. Así que intenté dejar eso fuera, en todo caso en el inconsciente, y centrarme en las necesidades de esta historia”.

Y a pesar de todo, la ambientación de la película no es demasiado futurista: “Quería un mundo más realista. Primero, porque visualmente me parecía más interesante. Y segundo, porque en la primera media hora el espectador tiene que entender una serie de elementos complicados, y quería que al menos el entorno fuera reconocible”.

Siendo guionista y director en un mundo como el de Hollywood, ¿qué grado de libertad ha conseguido tener?: “Soy afortunado de haber encontrado unos productores que han confiado en mí. Y a pesar de que Looper tenía elementos oscuros, han creído que la gente querría ver la película. Muy afortunado al encontrar estos productores que además están dispuestos a arriesgar su dinero”.

Con Brick consiguió darle aire fresco al cine negro, y ahora con Looper lo ha hecho con la ciencia-ficción. ¿Cuáles son los siguientes retos que se plantea? “Ahora tengo en la cabeza cosas de ciencia-ficción. Me gusta mucho, porque es un género que casi exige combinarse con otro, y eso me gusta”.

Argo


Argo (Estados Unidos, 2012).
Dirección: Ben Affleck.
Intérpretes: Ben Affleck, Bryan Cranston, Alan Arkin, John Goodman, Kyle Chandler, Scoot McNairy, Titus Welliver, Victor Garver, Tate Donovan, Clea DuVall, Chris Messina, Zeljko Ivanek.
Guión: Chris Terrio.
Música original: Alexandre Desplat.
Fotografía: Rodrigo Prieto.
Montaje: William Goldenberg.
Idioma: Inglés.
Duración: 120 minutos.




8/10

Cine dentro del cine que es ciencia ficción dentro de un thriller

Argo puede generar ciertas reticencias en el público por dos motivos: el primero de ellos podría ser el hecho de que su protagonista, y director, sea Ben Affleck. El segundo el tratarse de una película de aparente corte clásico, un thriller político a la antigua usanza, del que si uno ve el tráiler podría pensar que se trata de una película Costa-Gavras, pero con un mayor sentido del humor.


Con respecto al primer motivo decir que Ben Affleck sigue sin ser un gran actor, aunque sí que se muestra cada vez más solvente. Yo le veo como un interesante secundario, ya que lo de llevar el peso de la función le queda grande. Como director la cosa es diametralmente opuesta. Affleck comenzó su carrera detrás de las cámaras a lo grande con Adiós pequeña, adiós, un thriller con una gran carga dramática que le hacía destacar por encima de la media gracias a una dirección clásica y un reparto excelente. En su segundo proyecto como director decidió ponerse a ambos lados de la cámara y le salió un thriller sobre robos a bancos que recordaba a Michel Mann, lo cual es muy bueno, y que le supuso la confirmación como director al que tener en cuenta.

El argumento de este film es la mar de interesante. Se trata de una historia real que la CIA mantuvo clasificada durante años en la que un agente de dicha agencia viaja a Irán fingiendo ir a buscar localizaciones para rodar una película de ciencia ficción pero que realmente lo que quiere hacer es rescatar a unos rehenes que permanecen ocultos en la embajada Canadiense en Irán. El nombre de dicha película es Argo.

En Argo se rodea de un elenco de secundarios inmejorable con John Goodman, Alan Arkin, Bryan Cranston, Kyle Chandler y Scoot McNairy a la cabeza, y siendo él el absoluto protagonista de la cinta. Affleck cumple como actor, pero solo eso. Se muestra solvente pero no consigue convencer del todo y siempre deja esa sensación de que la película podría haber sido aun más grande si la hubiese protagonizada por uno de los grandes.

Pero como decía al principio el fuerte de Affleck es su faceta como director. Tras la cámara se muestra certero, impecable en las escenas de acción, algo en lo que ya destacó en The Town, y apabullante cuando se trata de generar tensión en el espectador.

La primera mitad de la película es un thriller político con geniales toques de humor que se encuentra entre lo mejor del año, mientras que la segunda mitad consigue estar a la altura debido a la gran tensión que imprime Affleck a la narración, dejando al espectador pegado a la butaca a pesar de tirar de excesivos trucos de montaje, en más de una ocasión innecesarios, y de tener un final excesivamente made in Hollywood que a buen seguro hará las delicias de los académicos, pero que al espectador media le puede oler a cien veces visto.

Aun así, Affleck aprueba con nota, roza el sobresaliente, y nos convence por fin de que le tomemos en serio, que su carrera como director es de las que pueden pasar a la historia.


David Sancho




Entrevistas Tadeo Jones: Enrique Gato, Miguel Ángel Jenner y Michelle Jenner

Hace ocho años Enrique Gato realizó Tadeo Jones, un corto que recopiló premios allá donde fue. Este Indiana Jones inocentón ha dado al salto al largometraje con Las aventuras de Tadeo Jones, película que va camino de ser la segunda más taquillera en nuestro país este año (ya lleva más de 17 millones). Con los derechos de exhibición vendidos a países como China, el film tiene toda la pinta de convertirse en inicio de una franquicia. Con motivo del estreno en España pudimos charlar con su director, además de con dos de los actores que prestan sus voces: Miguel Ángel Jenner (que, además, ejerció como director de doblaje en la versión española) y su hija Michelle Jenner.



Por Manuel Barrero Iglesias




Tadeo Jones es un personaje que nació en 2004 protagonizando un cortometraje. Le preguntamos a su creador cómo ha sido la evolución hasta llegar al largometraje: “El personaje ha ido creciendo a golpe de espaldarazos. El primer largometraje lo hicimos sin ningún tipo de ambición, y nos encontramos con 65 premios, el Goya, y todo esto. Lo que hicimos fue coger el testigo que nos dieron la audiencia y los premios. Y pensamos que a mejor manera para llegar al largometraje era hacer un segundo corto con el que demostrar la solvencia técnica y artística necesaria, además de arroparlo con un par de cómics dibujados por Jan” (Juan López Fernández, dibujante de Superlópez). ”Todo eso, con el Goya que también ganó el segundo corto hicieron un paquete atractivo para productoras y posibles grupos financieros”.

El personaje en los cortos no pasaba de esbozo: “En la película teníamos que hacer todo lo que no habíamos hecho en los cortos, teníamos que describir de verdad quién era Tadeo. Y ha sido un ejercicio muy interesante. Fue todo un reto descubrir el primer paso, saber cómo es el día a día de un tío como Tadeo. En los cortos no pasas de entender que es un tipo al que le encantaría ser arqueólogo. Hasta que salió la idea de que la única manera que tiene de acceder a algo valioso, podría ser buscando en los cimientos de las obras en las que trabaja”.

Enrique Gato tenía claro que quería recuperar el espíritu del cine de aventuras clásico: “Yo siempre he querido que funcione como una película de aventuras al uso. Si yo pago una entrada por ver una película de este tipo quiero su acción, su comedia, sus momias, sus templos; todo ese tipo de cosas que parece que funcionan por sí. Y estoy contento porque creo que lo hemos conseguido. Hay un montón de acción para mantener entretenido al público adulto, hay buenas historias para los personajes principales, y además toda esa lectura para el público infantil”.

La referencia a Indiana Jones es inevitable, aunque Gato matiza: “Es realmente un punto de partida. Tadeo nació como un personaje de pruebas que intentaba parodiar a Indiana Jones. Pero se quedó ahí. No quería condicionar los cortos ni la película al ritmo y estilo de una parodia. Quería que Tadeo tuviera su propia historia al margen del original. Lo único que hemos hecho ha sido mantener ciertas referencias, pero no son continuas, solo pequeñas pinceladas”.

Y después del gran éxito del film, ¿le ha llamado George Lucas?: “No ha sucedido. Y sí es cierto que Lucasfilms conoce el proyecto perfectamente. Incluso hubo una época en la que se les ofreció participar, pero todo quedó ahí”.

También le preguntamos por el doblaje de la película, proceso dirigido por Migue Ángel Jenner, uno de los grandes nombres de esta disciplina en nuestro país: “En España tenemos la suerte de tener uno de los mejores doblajes del mundo, y en el caso de Migue Ángel, es un de los mejores directores de doblaje. El trabajo ha sido muy sencillo. Previamente, discutimos sobre los personajes, cómo tienen que actuar, cuánto se mantiene del original, dónde dar una vuelta de tuerca...Él es quien manda en la sala de doblaje, y yo voy matizando”.

En el equipo artístico también estaban Michelle Jenner y José Mota: “Hemos tenido la suerte de trabajar con caras conocidas, que es algo que se suele buscar en películas de animación. El problema es que estoy muy en contra de usar caras conocidas solo por serlo. Principalmente, porque le tengo un respeto al doblaje. Ni siquiera basta con tener buena voz, tienes que tener entrenamiento de dolaje para darle vida a la voz de tus personajes. Michelle lleva desde los tres años haciendo doblaje, así que el personaje se hizo a una velocidad increíble, fue facílismo. Y en el caso de José, a pesar de no ser doblador profesional, tiene un dominio y control más que visible; además de aportar ese extra al personaje, ese punto gracioso. Un gustazo en ese sentido”.

También le preguntamos a Miguel Ángel Jenner cómo fue el trabajo con Enrique: “Es un placer trabajar con él. Primero, porque es un hombre que adora lo que se trae entre manos, se ve el cariño que le tiene a su criatura. Y segundo, porque siempre está abierto a que tú le aportes algo que pueda enriquecer aún más su trabajo. Es un trabajo muy dialogante”.

La película se ha grabado originalmente en inglés, Migue Ángel nos habla de las diferencias entre ambas versiones: “La versión en inglés es una guía. Las intenciones son las mismas, las emociones básicas están igual en igual en una y otra. Pero teníamos la libertad de hacerla muy nuestra, y nos hemos podido olvidar bastante de la sonorización original. La libertad a la que me refiero es a la hora de expresar las emociones, nosotros somos muchos más latinos, más vitalistas. Y hemos incorporado infinidad de expresiones y frases”.

También nos cuenta como llegó al proyecto: “Yo colaboré con Enrique en el corto en 2004. Ahí ya se le veían maneras al personaje. Y soy inmensamente feliz por el recorrido que ha tenido”. También tiene un papel destacado en el film Michelle Jenner: “Yo entré porque Enrique me lo propuso, y me pareció muy bonito el proyecto”.

¿Cómo es trabajar padre e hija juntos? Michelle cree que se complementan bien. Migue Ángel ahonda: “Como ella empezó desde pequeñita, domina la faceta del doblaje. Y cuando te pones a trabajar, uno se olvida de que somos padre e hija. Claro que disfrutas, porque es un placer trabajar con ella. Pero cuando estás allí, se pierde el componente familiar”.

Y cómo se prepara un personaje de doblaje. Michelle nos cuenta que: “No hay ensayos previos, como cuando trabajas en imagen. Pero sí que el director te ayuda a definir el personaje y qué quiere que transmita. En el caso de Sara, por ejemplo, debía tener una parte tierna y dulce, pero también ser una mujer fuerte y aventurera”.

Ambos han doblado personajes animados y personajes reales, pero no prefieren una faceta sobre la otra. Miguel Ángel nos cuenta que: “la diferencia es que cuando haces un doblaje al uso, lo haces con un actor que ya está en pantalla, él te da la mayoría de las cosas, y estás para ceñirte lo máximo posible a lo que tienes en pantalla. En las películas de animación tienes un poco más de libertad creativa”.

Y cuáles son sus personajes favoritos de los que han doblado. Michelle lo tiene claro: “Al que más cariño le tengo es a Giousué de La vida es bella. Porque la película es también maravillosa. Mientras, Miguel Ángel confiesa: “Yo más que un personaje, tengo un actor fetiche, que es Samuel L. Jackson, al que quiero mucho. Llevo ya casi 50 películas suyas, y de alguna manera hemos crecido juntos. Es un actor muy versátil, que te permite cambiar de piel docenas de veces, y siempre es muy divertido. Además, me ha dado mucha suerte”.

martes, 13 de noviembre de 2012

Festival de Sevilla 2012: Día 8


Por Alicia Ortega

Museum Hours Jem Cohen, Austria/EEUU 2012 Las Nuevas Olas 

A ritmo de museo, pausado y procurando no molestar, Jem Cohen nos lleva de la mano por unos días en la vida de Johann, uno de los vigilantes del Kunsthistorisches Museum de Viena. Alguien que se pasa el día observando las obras y a las personas, y que sabe dar nuevas interpretaciones a ambas. Arte, historia (a veces real, a veces inventada) de Viena, antropología... y las canciones que nos ofrece Mary Margharet O'Hara, cuyo personaje se convierte en gran compañía para Johann, y audiencia de sus historias. Una gran película sin necesidad de ningún tipo de acción.

This ain't California Marten Persiel, Alemania 2012 Eurodoc 

Skate para ver la vida con los ojos de un niño, eso es lo que formaba prácticamente toda la vida de Denis/Panik y sus amigos. En su funeral, sus amigos deciden recordarle contando la historia de cómo el skate liberó a estos muchachos de Alemania del Este en los 80, incluso permitiéndoles salvar la frontera con el Oeste. A modo de documental y con algunos elementos de animación, la cinta nos adentra en esta época de rebeldía, punk y cambios.

Festival de Sevilla 2012: Día 7


Por Alicia Ortega


Paradies: Liebe / Paradies: Glaube Ulrich Seidl, Austria 2012 Selección EFA / Sección Oficial

En este Festival de Cine Europeo de Sevilla se presentaron dos de las partes que componen la trilogía del Paraíso de Ulrich Seidl. Amor, Fe y Esperanza son los temas que aborda, ataca y lleva al límite, uno en cada película.


En Amor, la protagonista viaja de Austria a Kenia en busca de un hombre del que enamorarse y solo encuentra la prostitución de los habitantes, pero no por ello deja de buscarlo. En Fe, su hermana (Maria Hofstatter) es miembro de un grupo fundamentalista católico y tiene que enfrentarse a su marido musulmán, al que hace dos años que no ve.

En la rueda de prensa, Maria Hofstatter nos cuenta el trabajo de investigación que realizó con Seidl, conociendo todas las situaciones (y más) que luego se muestran en las películas, y habla también de cómo en el guión no se escribieron los diálogos, sino solo la escena, que los actores debían interpretar con sus propias palabras y sus propias reacciones. Todo esto convierte a la trilogía de Paradies en un semi-documental, que ejemplifica cómo estos conceptos de amor, fe y esperanza, que normalmente se consideran positivos y deseables, pueden ser manipulados por el ser humano y convertidos en algo dañino.

Fe tiene una propuesta más agresiva que Amor, y toca un tema más delicado y peligroso de una forma casi kamikaze, pero se agradece el golpe crítico y que no se ande con medias tintas.

sábado, 10 de noviembre de 2012

Festival de Sevilla 2012: Día 6


Por Alicia Ortega


Sister Ursula Meier, Francia/Suiza 2012 Sección Oficial

Sin duda, lo mejor de la película es lo preciosa que está (que es) Léa Seydoux, la hermana mayor mantenida y educada por el pequeño Simon -¿dónde están los servicios sociales?- cuya familia esconde un secreto que, la verdad, tampoco importa mucho. La estrella invitada es Gillian Anderson, innecesariamente bipolar.



Call Girl Mikael Marcimain, Suecia 2012 Sección Oficial

Call Girl no pone el foco en ningún tema en concreto: ¿estamos hablando de la historia de unaadolescente que entra en el mundo de la prostitución, o de las intrigas en el gobierno sueco por ocultar las citas de ciertos ministros con estas chicas? Vemos un trozo de una de las historias y, cuando estamos metiéndonos en ella, se corta abruptamente para obligarnos a pasar a la otra. Y, cuando parece que ambas historias han llegado a su resolución, tenemos aún metraje de sobra de cada una, por si nos habíamos quedado con ganas... ¿de qué?



What is love Ruth Mader, Austria 2012 Las Nuevas Olas

Cinco historias de amor, en el más amplio sentido de la palabra, puestas en escena a modo de cortometrajes documentales independientes que recuerdan que amor no es solo lo que hubo entre Romeo y Julieta, sino que se puede presentar y demostrar de multitud de formas posibles. 

Con un ritmo pausado, imágenes tomadas desde distintas vertientes (en ocasiones recuerda al cine japonés por la posición fija de la cámara) y contando con personas reales que viven situaciones reales pero que se mueven con tanta comodidad que uno llega a dudar si serán en realidad actores, la cinta nos invita a reflexionar sobre la naturaleza del amor en todas sus posibles acepciones.

Estrenos España: 9 noviembre 2012

Se estrena la reciente ganadora del Festival de San Sebastián. François Ozon nos presenta con En la casa un apasionante relato, que mezcla a Hitchcock y Allen, jugando con la realidad y la ficción de manera muy inteligente.

Tres producciones nacionales se estrenan esta semana. La más importante, Todo es silencio, incursión de José Luis Cuerda en los años 70. Óscar Jaenada y Manuela Vellés protagonizan Buscando a Elmish, drama sobre crisis treintañera. Fènix 11·23 (dirigida por Joel Joan y Sergi Lara), se basa en un suceso real, cuando un niño de 14 años creó una web para defender la lengua catalana.

Coproducción entre España e Italia llega Drácula 3D, la versión del maestro Argento sobre el mítico personaje. Una producción bastante cutre, pero que nos deja unos cuantos detalles de la genialidad del autor. Otros dos estrenos tenemos esta semana: Matteo Garrone (Gomorra) trae Reality, con Gran Hermano como telón de fondo; mientras Santiago Lapeira estrena Il coraggio, documental sobre la mafia.

No podía faltar el estreno noruego de la semana, que en esta ocasión es Babycall, thriller que supuso el premio para Noomi Rapace como mejor actriz en el Festival de Roma.

Terminamos con los dos estrenos estadounidenses. Los amos del barrio es una comedia cuyo argumento recuerda sospechosamente a la británica Attack the Block. El estreno infantil de la semana viene de la mano de Disney, con Campanilla: El secreto de las hadas.

viernes, 9 de noviembre de 2012

Festival de Sevilla 2012: Día 5


Por Alicia Ortega



Eat sleep die Gabriela Pichler, Suecia 2012 Sección Oficial



Siguiendo con el optimismo que reina en esta edición del SEFF, Eat sleep die nos adentra en la vida de una fascinante chica sueca (de Montenegro en origen, lo que le trae algún problema por su nombre árabe) cuyo espíritu trabajador, alegre y enérgico le lleva a conseguir lo que se proponga superando todas las dificultades. La banda sonora colabora bastante a la alegría y esperanza que transmite la cinta. Un disfrute general.



The Hunt Thomas Vinterberg, Dinamarca 2012 Sección Oficial

La historia que se desarrolla a lo largo de The Hunt no es nada nuevo, y menos en el cine, donde ya hemos visto cómo la mentira de un niño puede destrozar la vida de un adulto (recordemos La Calumnia, de William Wyler), pero Vinterberg consigue seguir despertando la compasión de los espectadores y el horror ante la injusticia, añadiendo además un nuevo elemento: incluso aunque el nombre del que ha sido falsamente acusado quede limpio por fin, nunca podrá estar del todo a salvo, siempre habrá quien dude de su inocencia. Toda la historia está llevada a cabo de una forma tan magnífica que es una pena que haya momentos en los que (¿por ahorrar metraje?) el guion está un poco cogido por los pelos para poder avanzar en la dirección que se busca, algo bastante típico de Vinterberg.


A month in Thailand Paul Negoescu, Rumanía 2012 Sección Oficial

En una noche, la de Nochevieja, Radu pasa de encaminarse a un futuro anodino con su novia actual a dejarla e ir en busca de su exnovia, a la que identifica con la espontaneidad y frescura que busca. Un Peter Pan algo tardío que se niega a entrar en el mundo de los adultos. Entretenimiento y nada más
 
 
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